猜你喜欢
剧照
详细剧情
长篇影评
1 ) 革了“革了'革命'的命”的命
新浪潮席卷世界那会我们正大革文化的命……到了80后的第五代导演革了“革命”的命。一般总是把第五代导演的作品算作中国的新浪潮，可今天我们的电影似乎和第五代的“新浪潮”之间存在一种割裂。像是我们又革了“革了革命的命”的命，我们要学习荷里活，我们要市场，我们要跟世界接轨～～我们的电影于是就在不断的造反、革命中否定从前。
我一直觉得电影里必须有形而上的东西。一些看起来荒诞不羁或者怪异离奇的电影也有潜在的社会性心理在起作用。就如同《非常突然》中港人的潜意识展现，怎么会就这样了呢？所有人都死了，一切戛然而止！
在回到《红军白军》，片子看到一半以上，还不知道谁是主角。也许主角根本就是“两军”的概念。到一个小时，似乎发现了主角，但在后面他们纷纷死掉了。谁是红军谁是白军都不重要，重要的是大家最后都是要死掉的。以各种各样的理由，死掉。
简化叙事，省略人物刻画，营造场面……所有演员服务于场面～于是人都变成场面中的一个个道具。个体与社会之间的关系大概也就是这样吧。
PS：我们总是以“革命”为己任～创造崭新的不同，也许只是反复的小人吧。
2 ) ◎简 介
转
匈牙利导演米克洛什·杨索（Miklós Jancsó，也译为“荣乔”）1967年作品，黑白片，蒂伯·莫尔纳、安德拉斯·库扎克主演，匈牙利、苏联合拍，片长92分钟。1918年的苏联，刚刚上台的苏维埃政权尚不稳定，红军和沙俄势力纠集的白军依然在进行着殊死搏斗。在伏尔加河畔的某处，红、白两军反复争夺中交替占领，支援红军的国际主义战士（其中多为匈牙利人）的据点被白军攻克。在捕杀的过程中，一些红军逃往附近的一家中立战地医院，而两方先后占领医院后都进行了报复式的屠杀……在《红军与白军》中，人们看到的是一场残忍冷酷的战争，一个由权力与暴力交织的世界。 60年代中期，匈牙利出现了米克洛什·杨索、伊斯特凡·萨博等一批青年导演，他们的影片不再是简单的娱乐产品或政府的宣传工具，这些作品大多关心匈牙利的民族历史与自我认知的问题，而此次显著的自我更新活动被称为“匈牙利电影新浪潮”。 从作品的影响和风格的树立上来讲，杨索是匈牙利新浪潮运动当之无愧的旗手。在从事电影工作之前，杨索曾攻读过人种学、法学和艺术史，并拍摄过一些纪录片。丰富的受教经历和东欧政局的特殊形势都对他的创作产生了巨大影响，杨索大部分影片都来源于匈牙利或东欧的史实，且多与战争、镇压、迫害、恐怖等政治事件相关，“人与权力”是他创作的核心主题，而影片里也找不到传统意义上的主人公，取而代之的是人与人、势力与势力之间的相互关系。 从60年代初从事长片创作开始，杨索先后拍摄了《我曾如此来过》(My Way Home, 1964)、《无望的人们》(The Roundup, 1966)、《红军与白军》(The Red and the White, 1967)、《静默与呼喊》(Silence and Cry, 1968)、《上帝的羔羊》(Agnus Dei, 1970)、《红色赞美诗》(Red Psalm, 1971)和《厄勒克特拉》(Elektra, 1974)等一批较具影响的作品。除了鲜明的政治、历史主题之外，杨索影片的电影语言也极具个人风格：构图具有鲜明的表现主义色彩，其最常见的画面都是由广阔的平面与强烈的黑白对比组成，《红军与白军》中杨索就利用空旷的草原就景深错落的线条营造出萧瑟凄凉的悲观与绝望；大量超长镜头的运用，杨索的影片中经常出现一些长达数分钟的长镜头，与侯孝贤、蔡明亮等人固定机位的“场景长镜”不同的是，杨索喜欢舞蹈般地进行高难度的移动摄影，完成极具观赏效果的“画面内蒙太奇”以取代常规的剪切。在60年代末期的作品中，杨索已完全陷入自己创造的表现形式当中，将连续镜头的技巧推向了极端，《焚风》一片只有9个镜头，而《静默与呼喊》也只由11个镜头组成。 《红军与白军》中包含了大量很多仪式性段落与隐喻意图明显的细节，但由于无法了解到导演的创作初衷和更多的相关历史背景，象森林中的华尔兹、红军战士亲吻军刀等重要段落的隐意也就无从得知了。以下是杨索本人1969年在威尼斯电影节上的一次谈话片段，希望能为观众了解这位风格化导演的创作理念提供一点启示：“在我进行创作时，最使我感兴趣和激动的是权利和镇压的问题以及人们与权力、人们与镇压的关系问题。我极为痛苦地断定：人们行使权力是为他人的利益，这种情况是极为罕见，或在实际上改变不存在的，而且在这种情况下，自由居然还获得了崇敬。” 影片采用了黑白胶片，摄影师在光影处理上有很突出的贡献。然而影片还有一个特点是在于“宽银幕”。扬索把宽银幕的宽字用到了极处，和无脑美国大片不同的是，他不仅仅只限于“宽”，还刻意把银幕的纵深感做了极为有力的加强，并且一镜到底，这就让他的影片看起来格外的视野开阔、气势磅礴。 这部电影的摄影机运动和画外空间的运用经常能创造一种观赏上的新颖和快感，别忘了，那还只是1968年，现在那些爱玩花样的新锐导演们当年还刚会说话呢。也有评论会认为影片的形式快感强于内容快感，从某种程度上说这也许是正确的。不过导演除了致力于表现形式上的创造外，本片的剧本也是不同于一般的战争片的。导演并没有在剧里设置明显的主人公和故事线，他表现的更多是一种战争状态下的群像。一位朋友曾经很疑惑的说，这片子我找了几次主人公都没找对，后来好不容易看出了一条爱情线，但导演几分钟后就让爱情死亡了。搞得我不知道导演想乾什么。 导演为了让自己喜欢的长镜头达到一种展现突转的奇异效果，有时候甚至还会脱离真实的逻辑。形式，成为扬索最先考虑的要素，真实性已经放到了后面。至少一帮子俄罗斯兵唱着“马赛曲”向敌人的大部队冲过去，敌人连一枪都不放--谁都会认为有些不合理。 影片的最后，在一场宏大的对决之后--宏大更多指的是摄影机的取景，而非场面的规模--红军战士带着骑兵大部队赶到，只看到横陈的尸体。迟到的战士向他阵亡的弟兄们抽刀致敬。而导演把这一画面放到最后，又是在表达什么，在向谁致敬呢？
3 ) 只有杀戮，哪有革命？
这是一部让我中毒的电影，看了一遍又一遍，摄影的走位，布局，驯马，制服都是无比的视觉享受，森林里的华尔兹是这部电影中最出彩的部分，完全是起到了承上启下的作用。
一般为贵族出身的白军军官，为了沙皇和自己的名分战斗，带领护士进森林换华服的下级军官装腔作势的优雅腔调和高级军官的迷离眼神，是贵族们对往昔生活的追忆和自己绅士身份的肯定！不但解释了为何白军军官要枪毙侮辱妇女的哥萨克军官的理由，也解释了为何会释放匈牙利俘虏却连俄国籍红军伤兵也要枪毙的原因，在白军军官眼里，这场战争就是贵族和俄国布尔什维克的阶级斗争和阶级战争。
为红军的勇敢并不能掩盖他们的疯时无情，冷静时能释放外国战俘，疯狂时自己人也杀.......
还在社会主义阵营时期，欧洲就能如此深刻的反省战争，实在了不起，佩服，佩服，1967年，1967年，我都还没出身呐？！佩服，这才是欧洲的先进之处！
4 ) 拔刀，致敬。
广袤无际的伏尔加河平原展现着北方粗旷的美，命运如载着女孩儿的车轮，不停转动。 宽银幕，大景深，长镜头，主流美感。没有人物与时间，有的是空间和灰度值组成的坐标系，在不断的互换中推动故事发展。 飞机向下射击的视角和战马追逐令人感受到窒息的战争气氛。 桦树林中的华尔兹，也只是小胜之余开的玩笑而已。 人性在风吹草动中没有一丝分量，爱情只存在于封闭空间，存在于开放空间里的生命没有意义。 英雄主义是影片精神的升华，红军唱着《马赛曲》向白军发起最后一次冲锋。 幸存的红军士兵们向身亡的同志致敬，美好的明天诞生在血与泪之中。 革命尚未成功，人民又将在痛苦的轮回中不断寻找国家的未来。 影片仅有三处配乐。
5 ) 战争的本质——无聊，无止境，无意义
今年电影节第一部，《红与白》 杨索没有站在战争的任何一方作评判，而是冷静地反映了战争本身以及战争中人们真实的境遇，让人很直观地感受到战争的本质——无聊，无止境，无意义及残暴。 没有差异。红军白军就像棋盘上的黑子白子，无所谓正义与否，相似的情境在双方身上接续发生，两者的差异被消弥，循环无尽的强弱消长中，都不过是战争的齿轮，以相互之间机械的咬合推进着战争，血腥和残暴中让人感到循环往复的枯燥和无有穷尽的绝望。 没有主角。每个拥有特写镜头和让人误以为有个人故事线的人物，都活不过十分钟。刚刚展开了一些细节，就会死去，且死得轻易甚至有点草率。战争之中的个体过于渺小，生死浮萍，个体的色彩都是浮光掠影。 没有意义。树林里的乐队，跳华尔兹的护士，被推来搡去一会儿出列一会儿归队的战俘。这些场景看似具有某些仪式性，但实则并没有什么丰富的意义，只不过是那些被战争异化的人们虚无的精神世界中的一角。无聊的战争中的一些无聊消遣，没有内容，甚至可以说来得心血来潮，去得无有章法，有的只是权力的暴虐——命令者百无聊赖，服从者战战兢兢。 影片最后一个场景我很喜欢。远方阵容整齐的白军像是一丛丛墓碑，唱着要给白军送葬的歌曲的红军向白军走去，却像是唱响了自己的终曲。或许这个画面效果仅仅来自于年月对胶片的磨损，并非导演本意，但仍让我看到了战争对生命无差别的吞噬。
6 ) 生的糟糕死的胡闹
莫名其妙的舞蹈，仿古式的自杀式进攻，用竹竿解决掉对手，被逼脱掉衣服的美女，等等，未必明白的，未必新鲜的，都一样的震撼。
不断的脱衣穿衣，难分辨的红与白交替登场，脚下是苦难的土地与人民。「这里没有红军与白军，这里只有病人。」根本没有意识到长镜头的存在，或许这才是最成功的调度？7/10
没有故事，没有人物，全片宛如一场杀戮游戏。无须区分红军与白军，也无须辨别正义和罪恶，双方来回地追逐、俘虏、杀戮，人命如稻草一般倒下，美丽的姑娘和动听的音乐只是胜利一方的战利品，以上种种旨在揭示战争的无意义性。个人不喜欢的点是运动长镜头。不可否认片中的长镜头形式上很厉害，但是由于没有故事情节和人物情感的支撑，很多调度也缺乏内在的逻辑性。片中长镜头大都跟着角色在走，甚至是角色在“指挥”镜头在走（比如，全片充斥着“去那边”、“站到这里”等等很多无意义的指挥命令，实际上也在“指挥”镜头）。但是，镜头为什么这么运动，从人物情感和主题表达上看，没有更深层次的原因。对比别的电影的长镜头，本片显得刻意、炫技。 #SIFF2021
镜头以韵律性的运动容纳大景别之内的群像调度，在广阔上契合规模，并打造群体叙事，而非依靠个人或英雄主义、或历史人质的狭化视角，真正达到了战争双方的面貌呈现，同时在期间消泯差别，模糊形象，去意识形态化的表达对立双方作为的瑕疵与影响，从而升华至反战的姿态与底层发声，并提供真正的历史在场尝试，也给出各方代入性的身份。镜头并非简单的随情节线内的人物活动，随时入画与更改景别和变焦推拉中，人物之间带出了一种权力下的服从与反抗关系，这种压迫之内蕴藏着生死血色，在枪声时时响起中，生命流逝加深了这种关系的力度，这是扬索真正高超的地方，赋予镜头在叙事与展示中更为抓紧人心的情绪起伏，所以镜头下人物走动都带有命运般的宿命，每一次长镜头都有战争临场感的注视，在此之中，诞出了战争的恐怖之处——生命不可预控的消失。
西蒙娜·薇依在谈《伊利亚特》时说到，整个史诗的真正主角、主题和中心是力量：人类所操纵的力量，人类被制服的力量，当力量施行到底时，它把人物变成纯粹意义的物，因为，它把人变成一具尸体。希腊人和特罗伊人双方在力量的对抗下，不停转换战胜者/主人与战败者/奴隶的身份，在这一层面上，无论双方的赢与输，他们都不过是“力量”这只打手下操纵的物。杨索的《红与白》也有这样的意味，一天的时间内，红军与白军的攻守位置相互转换，战败之人也是施恶之人。从这一层面，《红与白》的立意是超出95%的战争片的。
2020匈牙利电影大师展。在杨索的第三视角「俄国内战」中，「红 / 白」只是不断旋转的陀螺，反而是相信生命高于敌我双方的人道主义者成为真正的牺牲品，最后红军战士慷慨赴死反而是意识形态高于艺术。
#2021SIFF#没想到还挺喜欢的，因为形式主义到了一定的极致，就有独特的意义，妙的不只是镜头之长，重要的是镜头在移动过程里人物和布景每一帧都是精妙构图，调度牛逼走位牛逼，而且有现代主义的极简风格，简直是活人装置艺术与镜头艺术的完美结合。故事情节看到一半都还是晕的，脸盲症患者又在黑白色调里根本分不清谁是谁，但这样反而贴合了故事本身的那种虚无感，谁是谁也根本不重要。杨索总是能把真实历史拍出一种架空感和寓言感来，大概是他天然拥有某种抽象的能力和倾向吧。这样独特的审美追求一眼便能被认出来。20210613@美琪
匈牙利真的是长镜头之国哦，一条完整的传承线下来，最绝的是每个人都发展出不一样的长镜头美学来。杨索是景深调度+镜内蒙太奇+散点叙事，一刻也不闲地调动观众注意力。《红军与白军》总结起来是一部关于“驱赶”这个动作的电影，而驱赶者的动机永远是个谜，指令之外的语言大段缺席，悬念和恐惧都由这里生发出来，本应该最舒缓的一场舞戏，活生生拍出了恐怖片的感觉。如果这不是影像诗，还有什么能被叫做影像诗？
1.三个层次的运动感表现：摄影机自身的揺移、变焦、不稳定；运镜过程中人物视点不断变化；叙事无核心概念，链状推动，如同接力。2.景别大的镜头多选用较高角度的摄影，以充分调动景深空间。3.灵活运动的长镜头内部变幻出丰富的场面、景别切换，依旧达到蒙太奇效果。4.时空的统一使观众时刻察觉景框外部的动态，感知到完整的空间构建，打破了景框限制。
8.1 仿佛镜头四处游荡，不小心遇到角色，传统意义上的主角被消除了，传统意义上的战争也被消除了，取之而来的是如草芥风中散的生命和反复无常的俘虏游戏，在电影里，歌声都比人悲壮。模糊双方面目，抹平两者差别，真正布尔什维克的胜利。白军表现出一副贵族气派，红军在壮丽的牺牲中（尽管他们已经脱下象征身份的军服，以人的姿态走向死亡）也体现出一种骑士精神，结尾的致敬并不是显示出导演的倾向，而是在残酷的战争尽显人之渺小、华丽的运镜吸引观众目光时，让人亦能感受到一束带着人道主义关怀的炽热凝视。
在扬索的长镜头与大远景调度之下，有着和爱森斯坦杂耍蒙太奇类似的意识形态基础以及视觉效果，但《红军与白军》的影片中，施米特的“战争即区分敌我”取代了爱森斯坦的冲撞辩证。无论是片名还是前后结构都将一切极简化为绝对的二元对立，在影片中，个体叙事一旦发生，就会被大远景下的战争中止。但《红》真的是没有主角吗？并不是，集体化的影片之中却定格为一个指挥官手持战刀的面部特写。因而集体性都是对于这一终极主体：“领袖”的召唤。
描写地太真实了，足够未听闻过战争的人，好好体会战争---战役--战斗---个体，这是多么大的差异啊
杨索的长镜头下，戎装策马的军人格外英姿飒爽，每个人一丝一毫的移动都在战争死亡的危险气息和田园牧歌式宁静氛围下充满仪式的美感，这是流动的诗，神圣的舞曲
#BJIFF2021#初识杨索。百闻不如一见，长镜头漂亮极了，那样包容、那样延展，却又无比流畅，似不着意。这样的镜头将形势的骤变难测、人的朝不保夕表现得十分冷静而透彻。杨索对战争的观点，仿佛是不带立场的，他很多时候拒绝呈现人的死亡，着重呈现的是被人命令、被人驱使，却不知道为何的紧张感，我们揣摩不到主导者的动机，只有在彷徨中等待他最后的审判：这是独属于战争的近乎荒诞却真实的现实。杨索并不赞扬按军令处死少尉的白军，也不回避要强吻民女的红军，因为他呈现的是战争的无动机，呈现的是善与恶被胜利者玩弄的实情；然而他暗暗地把前者贬为虚伪的，把后者誉为豪爽的，最后还是将红军们塑造成了无畏的英雄，这种歌颂，是献给全人类的理想的。杨索既具体又超脱，如他的影像一般纵横捭阖。
第一次看杨索的片子，这种运动型长镜头和广角宽银幕真是我的最爱，看的真是舒畅。用长镜头冷静表现出这场战争，更加凸显了战场的残酷性。结尾前那段杀戮戏简直神了，可以算是影史印象最深刻的镜头之一。8.0分 ★★★★
大银幕膜长镜头大师的长镜头，其实观影时并没有很明显的跳出情绪的“噢这是长镜头”之感，镜头不仅不冗长，反而很简洁，这更让人反思如今动不动就玩长镜头的时代潮流中对这一手法运用之妙的意义；赞叹不已的更是电影中的流动的、大气的质感，镜头考究而气魄非凡，读苏俄小说时对哥萨克红色骑兵军的奔腾想象，在杨索的电影里得以复活；电影整体克制，但情感如音轨里的水声一样缓缓轻涌着，“无论红军还是白军都是病人”，双方的军人和妇孺都是牺牲品，草垛后面爱情在生长，你在他耳畔低诉“你不用说爱我”，可是你却用赤裸的身体如此决绝地保护他；风吹麦浪，死去的都是无辜的人
这类型剔除个人主义，而是表现群像的电影难得一见。俄国革命后，内战爆发，匈牙利加入到苏维埃红军的行列，对抗白军。萧条的荒草摊上，野马奔驰，人若被惊到的动物般逃窜，辽远的空中响起枪声，一个个倒下。这是一场战争，可是在导演的镜头底下，更像是原始丛林中，狼吃羊的游戏。做狼可以尽情游戏，羊的惊慌失措，让狼的杀戮更加兴致盎然。白军与红军因人数多寡，交替当狼，围困羊群。所谓的革命，所谓的战争，不过是残暴者的屠杀游戏罢了。不过，杨索在揭露战争本质的同时，对红军也不无同情，电影最后用一排红军从容赴前，一个个倒下来表现他们的信仰。只是，战争中能有这样信仰，为其奋斗的又有多少？杨索描绘了战争的真实群像，假如战争的本质是野蛮残暴，那么唯有信仰才能赋予其文明的意义。
革命的被杀于反革命的。反革命的被杀于革命的。不革命的或当作革命的而被杀于反革命的，或当作反革命的而被杀于革命的，或并不当作什么而被杀于革命的或反革命的。 革命，革革命，革革革命，革革……。 ——鲁迅
影片最后一个镜头太nb
20210612 SIFF No.2｜太喜欢了……！！！这就是我参加电影节要在大银幕上看的那类电影……太喜欢了。杨索果然不负我期待。影像上经常联想到《德意志克罗伊茨要塞前所未有之防御》
终于把这个看了......这长镜头......这调度.....这流畅度.....长镜头能拍摄的题材之多只有想不到没有做不到......这样最大的效果是，完全没有主人公及其视点，镜头极大自由和独立，而那些人只是悉数登场。然后我们看到强弱势力的变化竟是片刻之间的事......